Transmettre la réalité ultime de la vie quotidienne depuis une pièce de 6 tatamis jusqu'au reste du monde.
Shun Okada est né en 1992 dans la ville de Tokai-mura, située dans la préfecture d'Ibaraki, au Japon. Cette région, qui incarne les paysages traditionnels du Japon, a également accueilli la première centrale nucléaire du pays, ce qui a rapidement entraîné un réaménagement intensif et transformé le paysage en une nouvelle zone résidentielle.
C'est dans cet environnement qu'Okada a développé sa sensibilité unique. En deuxième année de collège, il a traversé une période de refus scolaire, qui, de manière inattendue, a marqué son entrée dans le monde de l'art. Durant ses jours d'isolement, il regardait des animes, jouait à des jeux vidéo et dessinait ses personnages préférés.
Parallèlement, malgré un contexte familial difficile, il a fréquenté une école d'art, puis a poursuivi au lycée avant de s'inscrire à l'université Tokyo Zokei. Puisant dans ses expériences d'enfance, Okada a poursuivi sa démarche créative, insufflant dans ses œuvres ce qu'il décrit comme des “fardeaux” et de “l'énergie négative”. Cela l’a même mené à sa première exposition personnelle à la Tav Gallery en 2019.
Depuis, il expose activement ses œuvres dans plusieurs galeries de Tokyo. Ce qui distingue ses créations, explorant les thèmes des écrans et des glitches de la Famicom, c'est leur relation singulière entre le numérique et l'analogique. Sa méthode consiste à projeter des écrans altérés sur une toile et à les retracer au pinceau, comblant manuellement les parties manquantes. Cette approche reflète non seulement son statut de natif du numérique, mais aussi l'influence profonde de son enfance passée dans le cadre naturel de Tokai-mura.
Ce qui est encore plus intriguant, c'est qu'Okada, né en 1992, a choisi de se concentrer sur le thème de la Famicom (et de ses glitches), un phénomène qui a connu un essor majeur dans les années 1980. Sa réponse, dans l'interview qui suit, éclaire ce choix.
Les œuvres d'Okada, malgré leur puissance saisissante obtenue par un travail de pinceau méticuleux, suscitent une certaine nostalgie. En octobre 2023, ses créations feront leur première apparition à l’international lors de l’exposition Asia Now, présentée par la Sato Gallery. Restez à l'écoute pour suivre Shun Okada, qui allie ses expériences personnelles à une exploration artistique audacieuse, et qui est toujours prêt à expérimenter de nouvelles formes d’expression.
AN : Quel type d’art aimiez-vous au lycée ?
SO : Quand j’étais au lycée, mon professeur d’art m’a montré un numéro de “Bijutsu Techo” (N.D.L.R. : un manuel d’art) avec un dossier spécial sur Francis Bacon (1992). J'ai été profondément marqué. Les œuvres de Francis Bacon ne sont pas confortables ; elles semblent affirmer des émotions comme la souffrance et quelque chose de venimeux. À cette époque, ma situation familiale n’était pas idéale, et je portais encore le poids de mes années de refus scolaire, donc j'y étais vraiment sensible.
AN : Votre style a-t-il été influencé par cela ?
SO : Oui. Les couleurs de mes œuvres sont vives, mais en dessous, elles sont influencées par les situations que je traverse. En fait, même aujourd’hui, il m’arrive de me sentir abattu, incapable d’avancer, alors je transforme ces émotions en énergie que je mets dans mes créations.
L’espace de 6 tatamis est le lieu de vie le plus standard pour les Japonais, c’est donc l’expression ultime de la réalité de quelqu’un enfermé dans cet espace en train de créer. J’ai beaucoup de respect pour la vie et les espaces japonais, d’où le lien naturel avec les dimensions, l’apparence de l’écran et les motifs présents dans mon travail.
AN : Pourquoi avez-vous décidé de représenter des glitches dans votre art ?
SO : Lorsque j'ai vu ces écrans glitchés, ils m'ont semblé être des peintures parfaites. Jusqu'alors, j'avais étudié l'art, mais quoi que je peigne, cela finissait toujours par ressembler à une copie du travail de quelqu'un d'autre. Cependant, avec ces écrans glitchés, j'ai compris qu'ils étaient uniques et complètement originaux, il me suffisait donc de les reproduire. Mais plus j'essayais de les reproduire, plus je n'y parvenais pas. Finalement, après avoir tenté de recréer les glitches manuellement, j'ai jeté de la peinture sur la toile par frustration et j'ai accidentellement créé quelque chose de réussi. Cela a donné naissance à “y’s” (2015). Dans mes œuvres suivantes, en réfléchissant à la raison pour laquelle cela avait fonctionné, j'ai développé des gestes comme retourner l'écran ou agiter un écran humide.
AN : Quel genre d'œuvres envisagez-vous d'exposer cette fois-ci ?
SO : Je prévois d'exposer une série intitulée “Water Fall”, inspirée de “Mega Man”.
AN : Aimez-vous “Mega Man” ? C'est intéressant que vous ayez choisi de représenter la Famicom comme thème, alors que vous êtes né en 1992 et que vous ne faites pas partie de la génération Famicom.
SO : Non, pas particulièrement [rires]. Mais j'ai un profond respect pour cette forme d'expression et cette culture. J'ai choisi de représenter la Famicom parce que c'est là que j'ai rencontré les glitches pour la première fois. Cette forme d'expression est très simple et est liée à la sensibilité unique des Japonais. Je veux me concentrer uniquement sur la représentation des glitches, car cela me permet d'être objectif, détaché des attaches personnelles et de la simplicité.
AN : Qu'espérez-vous apporter à Paris en y exposant ?
SO : Je souhaite transmettre la réalité de créer de l'art dans une petite pièce de 6 tatamis, avec un pinceau. L'espace de 6 tatamis est l'espace de vie le plus standard pour les Japonais, c'est donc l'ultime réalité de quelqu'un enfermé dans cet espace en train de créer. J'ai un grand respect pour la vie et les espaces japonais, il y a donc un lien naturel avec la taille, l'apparence de l'écran et les motifs de mon travail. J'espère pouvoir apporter cette atmosphère avec moi.
AN : Que représente l'art pour vous ?
SO : Je pense que c'est une culture qui devient une partie intégrante de la vie. Au cours de nos existences, les traces de tout ce que nous avons laissé derrière nous se manifestent sous forme d'œuvres d'art. Cependant, j'éprouve une sorte d'inconfort à vivre dans la réalité. Il y a quelque chose d'étrange dans le fait de simplement vivre. Lorsque j'ai rencontré les glitches, c'était comme si je parvenais à me concentrer un instant sur une réalité floue, comme si soudainement, elle devenait nette. Je parviens à vivre en confirmant cette sensation. En fin de compte, l'œuvre d'art émerge comme une trace de ce vécu.
(Waterfalls, 2022)
(0??????F0I0J0??Z0??????F0I0J0??Z, 2023)
(Title not yet decided, 2022)
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